Quando se trata de narrativa visual, poucos diretores são tão precisos quanto Alfred Hitchcock.

Na verdade, muitas das técnicas de filmagem de Hitchcock, alguns dos quais passaram a se tornar partes essenciais da linguagem cinematográfica, são relativamente simples, e pode até ser sumarizadas em regras fáceis de lembrar. Uma dessas regras tornou-se conhecida simplesmente como “Regra do Hitchcock”, e quando você a aplicar ao seu filme, ela pode ajudá-la a enquadrar suas cenas mais intencionalmente e cortar os takes corretos nos momentos corretos na sala de edição.

Alfred Hitchcock não foi apenas o Mestre do Suspense; ele era o mestre de capturar e provocar emoções poderosas de seus atores e público através de várias técnicas cinematográficas – aqueles que cada cineasta deve aprender em algum momento de sua carreira.

A coisa engraçada sobre admirar a obra de Alfred Hitchcock é que ele se tornou um pouco de clichê, que é realmente um pouco irônico, pois uma de suas maiores contribuições para o cinema foi o fato de que ele quebrar clichés, não só no gênero em que trabalhou, em sua maioria thrillers psicológicos, mas também na narrativa visual global. Por exemplo, antes da cena do espanador na colheita em North By Northwest (conhecido como Intriga Internacional, por aqui) uma cena semelhante mais provável ocorreria à noite, em um claustrofóbico, escuro beco em uma cidade grande, e não durante um dia ensolarado em um campo de milho em Nowhere, Indiana (tecnicamente ele foi filmado no entorno de Bakersfield, Califórnia.)

Então, como Hitchcock saiu de um produtor e diretor de filmes mudos para o diretor dinâmico e magistral que criou alguns dos maiores filmes da história de cinema? Uma das principais razões é a sua implementação (até mesmo a criação) de técnicas narrativas e cinematográficas que levaram a forma para um novo nível, como o zoom dolly, ou o “Efeito Vertigo”, que foi criado pelo seu cameraman da segunda unidade, Irmin Roberts, e famosamente usado em Vertigo, além de seu foco estilístico em expressões faciais, bem como a sua utilização de takes de ponto de vista.

Em um rápido tutorial de nossos amigos na Academy of Storytellers , eles descrevem a Regra do Hitchcock e mostra como aplicá-la em vários contextos diferentes de filmagem.

O uso da Regra do Hitchcock

Então, qual é a Regra do Hitchcock? Um resumo simples é o seguinte:

O tamanho de qualquer objeto em seu quadro deve ser proporcional à sua importância para a história no momento

Cada quadro de sua história é uma oportunidade de dizer alguma coisa, e é uma oportunidade de ser intencional no que exatamente a mensagem transmite. Uma forma ampla para transmitir a mensagem é a composição do referido quadro.

É uma daquelas coisas que parece óbvias – apenas faça um close se algo é importante e relevante para a história naquele momento. No entanto, algo que muitas vezes eu vejo no cinema amador é cenas close-up e inserções que realmente não servem em nada para história. Infelizmente, isso pode ser muito perturbador para uma audiência. Desde que a maioria de nós é condicionada a entender que close-ups transmitem um senso de importância, pode ser estranho e confuso quando um close-up não contém informações que irão reforçar ainda mais a nossa compreensão e investimento emocional na história.

É aí que a Regra do Hitchcock entra em jogo. Pode ser aplicado tanto quando você está no set e quando você está na sala de edição. Na produção, a Regra do Hitchcock pode ajudar a orientá-lo para apenas capturar os takes e detalhes que você realmente precisa. Mais do que isso, ele pode ajudá-lo a decidir o quão aberto ou fechado você deve enquadrar os takes. E na sala de edição, a Regra do Hitchcock pode ajudar a escolher os takes certos, no momento certo. Muito simples, se você entender a sua história e os seus elementos individuais, a Regra de Hitchcock pode ajudar a orientá-lo para contar a história de forma eficiente, e de uma forma que o público vai inerentemente entender.